EMA Vinci contemporanea

Alessandro Solbiati

[1-4] SINFONIA DA CAMERA per 15 strumenti (2006)
I Lacerato, attonito II Andante ostinato III Con energia IV Presto anelando

[5] INSIEME
per 10 strumenti (2017)

[6] CONCERTO
per chitarra e 15 strumenti (1990 – 2016)
chitarra solista Luigi Attademo

[7] NEVE
per 16 strumenti (2011 – 2016)

Ukho Ensemble Kyiv
direttore Luigi Gaggero

LA CLASSICITÀ DI ALESSANDRO SOLBIATI
di Guido Salvetti

Le quattro composizioni che vanno a creare questo CD testimoniano quanto sia radicato nel loro autore l’interesse per gruppi che siano cameristici, sì, ma ampi al punto da sfiorare l’impianto sinfonico a cui pure Solbiati ha dedicato, al 2010, tre ampi lavori (“sinfonie”); senza contare il ruolo drammaturgico primario che svolge l’orchestra nelle sue tre opere teatrali. Non deve meravigliare quindi che si ritrovi- no qui alcune scelte personali di grande nettezza: a cominciare da un divisionismo minuzioso ed estremo, collocato all’interno di strutture formali solide e, come tali, di chiara percettività.

Questo divisionismo, almeno una volta, in Neve (2016), viene “spiegato” con l’im- magine dei fiocchi di neve che scendono, evocati in uno dei brani nati per un’ or- chestra di giovani musicisti: Neve è la versione per sedici strumenti (composta per l’Ukho Ensemble) del quinto degli otto brevi brani sinfonici destinati alla raccolta Crescendo (2011-2013) per i “Piccoli Pomeriggi Musicali”. Il cedimento al figuralismo assume quindi, ma occasionalmente, un intento didattico-divulgativo. O forse meglio, è una scelta di semplicità che “spiega” anche, in fase conclusiva, l’inserimento dell’inno natalizio Puer natus in Bethlehem. È un caso isolato. In tanti altri casi questa scelta di una pulviscolare iridescenza, che ha il suo habi- tat naturale nell’assommarsi di celesta, xilofono e arpa, è uno dei due termini di una dialettica che si contrappone al terrigno e materico addensarsi degli ottoni, o anche all’innaturale abbinarsi in tremende scosse elettriche di clarinetto basso e violoncello. Le logiche costruttive dei brani più ampi e complessi hanno la loro base più solida in questa contrapposizione duale. È una sorta di grande “respira- zione” che si avverte soprattutto nelle prime sezioni di Insieme, della Sinfonia e del Concerto. Non è un’oscillazione tra l’uno e l’altro estremo: la forma, piuttosto, si costruisce secondo una direzione costante, per la quale diventa spendibile la metafora del cammino.

Il Concerto per chitarra e 15 strumenti, nella sua storia trentennale (prima versione per orchestra sinfonica nel 1989-90, versione per orchestra da camera nel 2000, riscrittura della parte di chitarra nel 2014 in collaborazione con Luigi Attademo, dedicatario odierno; nuova riscrittura della parte orchestrale nel 2016) ha mutato il peso orchestrale e quindi il rapporto sonoro tra solista e orchestra, ma ha mantenuto, come costitutivo, questo dualismo, magnificato dalle “quasi cadenze” di cui è costellato, come pure dall’irruzione di minacciose pesantezze materiche. Il percorso è scandito, in questo caso, da indicazioni che sono agogiche ed espressi- ve insieme: “Inquieto”, “Teso”, “Minaccioso”, “Incalzando ma con leggerezza”, ecc.. Nel caso di Insieme dice l’autore, la prima sezione “ha come spina dorsale un rintocco sempre diverso” che conduce lungo “un percorso discendente a canone tra più voci da armonici acutissimi fino alle note basse del violoncello scordato”. Con altre parole si può indicare questo percorso come uno spegnimento di un’energia che progressivamente si consuma. Nel passaggio tra la seconda e la terza parte il cammino ha un’altra direzione: dall’oscurità alla luce (“luminoso”, in partitura). Nell’ultima sezione, dove si sussegue vorticosamente un vero e proprio “gioco delle coppie” (senza un vero riferimento all’altrimenti schematico gioco delle coppie, se- conda sezione del Concerto per orchestra di Béla Bartók; con una maggiore interio- re affinità con il fantasmagorico Jeux des cités rivales del Sacre di Stravinsky), la metafora più appropriata è quella della spirale, dove per dodici volte si ripercorre l’idea concertante della coppia, sempre diversa e protesa verso una “Coda” rapino- sa e affermativa.

RICERCARE INSIEME
di Luigi Gaggero

Sembra passato un giorno da quando, esattamente vent’anni fa, Alessandro Solbia- ti venne a casa mia, a Genova, per scoprire lo cimbalom ungherese. Da quell’incon- tro nacquero alcune delle più importanti composizioni scritte per il mio strumento che, a loro volta, diedero inizio in Europa a una rivoluzionaria scoperta di inedite possibilità tecnico-espressive dello cimbalom. Da allora, la nostra collaborazione musicale -accompagnata da un affetto reciproco- ha seguito l’evoluzione dei nostri percorsi; Alessandro ha prima scritto per cimbalom come strumento solista, lo ha poi utilizzato in contesti di musica da camera, per infine scrivere uno splendido concerto per cimbalom e orchestra. Oggi, sono felice e onorato di poter proporre, in qualità di direttore, un’interpretazione di alcuni dei suoi più emozionanti lavori per orchestra da camera.

Come musicista, sono sempre rimasto affascinato da due aspetti della scrittura di Alessandro: innanzitutto, la sua musica è radicata in una profonda conoscenza dell’arte del passato. Questa conoscenza, che è poi una relazione amorosa, mi pare comprenda due elementi essenziali: da un lato, l’amore per il timbro. Non è un caso, infatti, che Solbiati sia stato spesso affascinato non soltanto dal colore dell’or- chestra tradizionale, ma anche da strumenti più rari, come il bayan, la chitarra, lo cimbalom, la fisarmonica o persino i thai-gong; e non è un caso che le innovazioni “grammaticali” che di volta in volta egli ha operato sulla scrittura per questi stru- menti siano state ispirate soprattutto da seducenti sonorità ancora inesplorate. Dall’altro lato (e qui mi pare di intravedere un aspetto importante dell’eredità di Franco Donatoni) le composizioni di Solbiati sono spesso gioielli di filigrana musi- cale, in cui scintilla la limpida complessità della loro struttura formale. Così, nella tensione fra questi due poli, quello di una legge formale autoimposta per fini cre- ativi e un infinito amore per il suono, la musica di Solbiati ci fa stupire di quanto lirico e sensuale possa essere l’esprit de géometrie!

Questa musica pone dunque diverse sfide all’interprete: mettere in risalto la tra- sparenza della forma; “respirare” le frasi ed essere ben coscienti delle relazioni di tensione-distensione armonica -esattamente come in un brano di musica classica; avere una grandissima cura della qualità del suono, per poter rendere giustizia alla fantasia timbrica del compositore. Il tutto, “nonostante” la complessità di scrittura tipica della musica contemporanea, che rende questi compiti ancora più difficili. Ma è proprio in queste sfide che si trova il punto di incontro fra compositore e in- terpreti che anima questo CD: con l’Ukho Ensemble Kyiv, infatti, mi sono proposto di non seguire un approccio strutturalista – oggi largamente diffuso nell’interpreta- zione del repertorio contemporaneo – basato su una concezione astratta del tempo (un “tempo calcolabile”). Piuttosto, cerco di render viva l’esperienza di un incontro empatico fra interprete, composizione e pubblico – abbracciati spiritualmente e fisi- camente dallo spazio creato dal fluire della musica. Le prove per la registrazione di questo CD sono state un appassionante ricercare di questo spazio, di questo “tempo vissuto” (e non calcolato) dove si crea la possibilità di essere sorpresi dalla musica, a dispetto di qualunque decisione interpretativa presa in anticipo.