Note al CD di Giorgio Battistelli, Francesco Antonioni e Paolo Carlini

Comunicato Stampa: 24 Novembre 2017

26 Aprile 2017

2 Febbraio 2017

26 Gennaio 2017

24 Gennaio 2017

14 Dicembre 2016

9 Ottobre 2016

1 Ottobre 2016

reference:

http://www.luccamusica.it/2017/08/a-colloquio-con-paolo-carlini/

http://www.provincia.modena.it/page.asp?IDCategoria=6&IDSezione=1101&ID=34261

https://www.pressreader.com/italy/corriere-fiorentino/20180715/281934543721091

https://www.eventioggi.net/evento-presentazione-del-dvd-di-marcello-panni-e-paolo-carlini-rome-3039974

Uscita programmata per il 03-10-2017
con presentazione al Museo del Novecento di Milano

VOLUBILE E LEGGIERA di Alessandra Bellino
Secondo volume che la EMA Vinci records produce per la compositrice Alessandra Bellino.

Tracce

1. IAVNANA per voce di soprano e bajan
Monica Benvenuti e Francesco Gesualdi

2. … FRA STELLA E STELLA … flauto e chitarra
Luciano Tristaino e Gisbert Watty

3. PRÈSAGE per voce di soprano, pianoforte e trio d’archi
Monica Benvenuti e Quartetto Klimt (Duccio Ceccanti, Rosadini Edoardo, Alice Gabbiani e Matteo Fossi)

4. GUSTAVO B chitarra sola
Gisbert Watty

5. EN-CANTO per voce di soprano e pianoforte
Monica Benvenuti e Matteo Fossi

6. MEDUSA MI RASSEMBRA flauto e fagotto
Roberto Fabbriciani e Paolo Carlini (composizione a loro dedicata)

Masters audio e grafico realizzati da EMA Vinci records

La lievità del suono poetico
di Renzo Cresti

Le incisioni di musiche dei compositori d’oggi sono talmente rare che ogni uscita va salutata con entusiasmo, se poi all’ascolto di queste musiche ti appassioni vuol dire che sei in una situazione di ammirazione, per la bravura del compositore e degli interpreti, ma l’abilità tecnica non è sufficiente a comunicarti idee e sentimenti, la competenza e la destrezza sono doti indispensabili per comporre e fare della buona musica, ma se non sono sorrette da una partecipazione che si percepisce come vera e sincera i lavori diventano accademici; è proprio grazie a questa complicità di ragioni e sentimenti che la musica di Alessandra Bellino convincono sia dal punto di vista tecnico-formale sia da quello espressivo e quando siamo in presenza di un’arte così completa si capisce quanto essa vada in profondità nell’affrontare le tematiche del nostro essere e del nostro esserci nel mondo. Il valore della musica della Bellino aumenta se si considera che troppe sono le musiche scritte per vanagloria e che hanno un ruolo come quello di un soprammobile, ma alla musica si può chiedere molto di più, di essere una spia sensibilissima dell’epoca in cui ci è dato vivere. Questa ricerca di un affondo esistenziale la si nota subito, ancor prima di ascoltare la musica, nella lettura dei testi poetici che la Bellino sceglie, testi che nella loro diversità di epoca, di stile e tematiche, vanno a investigare le problematiche del vivere.

Il titolo del cd proviene da un verso di Giovan Battista Marino che potrebbe essere preso a enunciazione della poetica compositiva della Bellino: la figura femminile descritta è “volubile e leggiera” esattamente come le figure musicali che si rincorrono nei brani, cangianti, iridescenti, ricche di chiaroscuri, mutevoli, volubili appunto e sottili, leggere. È quello della figura che si sdoppia e si ricongiunge, riverberandosi in giochi timbrici, il punto centrale del modus operandidella Bellino, basato sul concetto di figura (concetto che è tornato prepotentemente in primo piano negli ultimi anni), nel caso della scrittura della Bellino figura vorticosa nel suo contorcersi e trasfigurarsi, nel suo procedere e nel suo costruire la trama sonora, ma impetuosa anche nel senso virtuosistico (come in …fra stella e stella…); inoltre, un’altra caratteristica è quella che la figura ha un tratto esplicitamente gestuale (come in Gustavo B) e si abbina simbolicamente alle parole chiave del testo prescelto (per esempio in Présage, dove parole quali lieve, ansia, palpitante sembrano guidare l’andamento evocativo del brano). L’evocazione è caratteristica essenziale (struggente in En-canto), nel madrigale di D’Annunzio richiama il tempo, con il suo fluire inesorabile tratteggiando climi espressivi crepuscolari.

I testi a volte costituiscono solo fonti di ispirazioni, non sono cantati o declamati, come in Medusami rassembra e nel citato Gustavo B, in questi casi occorre avere una straordinaria sensibilità strumentale per seguire le intime pieghe espressive che le poesie comunicano, sensibilità nel comporre e nell’eseguire (e tutti gli interpreti di questo cd sono davvero eccezionali). Le poesie prescelte, oltre a rappresentare una guida simbolica-espressiva, sembrano costituire una sorta di ritualità ossia vi è un aspetto rituale che sostanzia il gesto compositivo della Bellino, questo è evidente in Iavnana ma sotto traccia è sempre presente.

Senza ideologie o teorie a cui sottostare, la libertà compositiva della Bellino scorre svincolata e sciolta ma autogovernata da una progettualità che non è affatto ‘volubile e leggiera’ (mutevoli e sottili sono le figurazioni), ma solida, ferma, costante e perfino rigorosa in certi momenti e nel rispetto del concetto di forma; la leggerezza sta nel modo di porgere, nella lievità del suono poetico, formando, nell’insieme, uno stile originale e apprezzabilissimo.

Alessandra Bellino
Volubile e leggiera – opere vocali e strumentali

Giovan Battista Marino, nel suo testo “Statua di bella donna” (ne “La Galeria”, 1620), definisce “volubile e leggiera” una figura femminile marmorea che gli appare continuamente cangiante, fino ad una tale suggestione psicologica da fargli confondere la realtà con la finzione e rendendola ai suoi occhi quasi viva. Una doppia essenza che pone in collegamento continuo mente e cuore, vero e falso, e che si riverbera nelle composizioni vocali e strumentali scritte fra il 2000 e il 2016 che fanno parte di questo progetto discografico.

I brani si richiamano l’un l’altro con continui rimandi timbrici: i chiaroscuri che incarnano il maschile e il femminile della voce umana in “IAVNANA” con voce e bayan che si fondono in un unico respiro, si ripropongono in “Medusa mi rassembra” dove flauto e fagotto, ai due estremi opposti, si rincorrono alla ricerca di un comune baricentro in un gioco nervoso di sdoppiamento e ricongiungimento dell’immagine sonora, in cui persino la voce cerca una via d’uscita dalle costrizioni dell’imboccatura. La chitarra che in “…fra stella e stella…” percorre insieme al flauto traiettorie che vanno da un punto all’altro alla ricerca di uno slancio comune, assume in “Gustavo B” una gestualità che tende a trasformarla via via in chitarra elettrica, e ancora in “En-Canto” a farla identificare con gli interventi in cordiera del pianoforte che ne emula la gestualità e la timbrica assecondando i sussurri della voce, privato qui della sua identità, ben evidente invece in “Présage” arricchito dagli archi che quasi avvolgono il canto nel suo incedere espressivo.

“Volubile e leggiera” è il secondo progetto monografico di mie opere vocali e strumentali interamente prodotto negli studi della EMA Vinci Records, dopo “Gran Salto” di sole opere strumentali già inciso con l’Etichetta EMA VINCI Records nel 2016, entrambi realizzati nell’ambito del Progetto SIAE Classici di Oggi.

Il mio grazie va a Giuseppe Scali e a Marco Cardone per l’altissima professionalità e perizia nel ricercare il miglior risultato possibile per ciascun brano e per la loro non comune generosità nel dedicare la massima attenzione al mio progetto di suono.

Un grazie particolare va a tutti gli interpreti, Monica Benvenuti, Matteo Fossi, Duccio Ceccanti, Edoardo Rosadini, Alice Gabbiani, Gisbert Watty, Luciano Tristaino, Francesco Gesualdi, Paolo Carlini e Roberto Fabbriciani, con i quali ho avuto l’immenso piacere di collaborare a stretto contatto e nella massima sintonia durante le fasi di produzione, musicisti la cui caratura, disponibilità e sensibilità artistica sono state per me fondamentali per ritrovare pienamente espresso il mio pensiero.

Grazie di cuore a Renzo Cresti per la sua prestigiosa presenza in questo progetto, per averne tracciato il percorso con rara eleganza cogliendo il senso più profondo del mio sentire (non solo musicale), e le cui parole di apprezzamento rappresentano per me, e certamente per tutti gli interpreti, motivo di grande soddisfazione.

Ringrazio infine SIAE Classici di Oggi per aver immaginato un progetto di collaborazione a largo raggio nell’ambito della nuova musica, all’interno del quale mi è stato possibile proseguire nel percorso iniziato un anno fa con l’Etichetta EMA VINCI Records, un marchio che pone la musica in primo piano promuovendola con la sua importante attività di divulgazione e conservazione.

PRESENTAZIONE DI VOLUBILE E LEGGIERA DI ALESSANDRA BELLINO PRESSO IL MUSEO DEL ‘900 DI MILANO

11 Settembre 2017

Museo del Novecento: Presentazione del CD di Alessandra Bellino

DOCUMENTAZIONE 22 Giugno 2017

Alessandra Bellino: Gustavo B (2009) per chitarra – … fra Stella e Stella … (2010)

Alessandra Bellino Mix e Sound di Medusa mi rassembra con Roberto Fabbriciani e Paolo Carlini

9 Giugno 2017

In studio per IAVNANA di Alessandra Bellino con Monica Benvenuti voce e Francesco Gesualdi bayan

12 Aprile 2017

Alessandra Bellino: Medusa mi rassembra – Roberto Fabbriciani flauto, Paolo Carlini Fagotto

17 Febbraio 2017

En-canto (2009) e Présage (2000) di Alessandra Bellino

17 Febbraio 2017

Volubile e leggiera di Alessandra Bellino, inizio lavori

MICHELLEneous
Musica di Gianluca Verlingieri 
Composizione Originale – artista principale: Gianluca Verlingieri

MICHELLEneous

Organico Chitarra e Cello
Davide Ficco, Manuel Zigante

«Composizione ispirata da “Michelle” dei Beates»

Produzione 
EMA Vinci Service master
Altri Crediti – Data di Uscita 16.8.2017
Formato Principale Album Digitale   

℗ 2017 EMA Vinci records 40076 © EMA Vinci – Etichetta EMA Vinci contemporanea

Linea SIAE-Classici di Oggi • Genere – Contemporanea

Gianluca Verlingieri Nutrita da un’incessante curiosità intellettuale e ispirata da una costante dialettica tra sperimentazione e senso della storia, la musica di Gianluca Verlingieri abbraccia pienamente gli interessi caleidoscopici del suo autore. Le sue opere spaziano infatti tra diversi contesti creativi, spesso volutamente sfumati l’uno nell’altro: dalla musica da concerto per solisti o gruppi di vari strumenti e voci a brani acustiche e opere per strumenti e live-electronics, nonché da musica da palcoscenico e teatro musicale alle colonne sonore e alle installazioni multimediali.  Indicato da Radio Classica sin dall’inizio della sua carriera come “giovane promessa della sua generazione”, Gianluca Verlingieri ha rapidamente conquistato posizioni internazionali grazie a spettacoli, commissioni e progetti tenuti in sedi importanti come l’ INA-GRM di Parigi, l’Accademia Italiana alla Columbia Università di New York, Staatsoper di Berlino , Parco della Musica a Roma, Opera di Firenze al Maggio Musicale Fiorentino, Auditorium del Lingotto a Torino, Festival Internazionale di Aix en Provence e numerose altre sedi in Italia, Francia, Germania, Spagna, Inghilterra, Danimarca, Belgio, Grecia, Messico, Stati Uniti e Australia.  Le composizioni e gli spettacoli di Verlingieri sono stati trasmessi, tra gli altri, da Radio France , che parlava di “virtuosité” del suo compositore e “talent exceptionnel”, e della National Public Radio USA , oltre che pubblicato su compact disc dalle etichette italiane  Limen Music  e  EMA Records , la svedese BIS Records e altri. Diverse opere di Verlingieri sono state premiate, citate o selezionate come finaliste in numerosi concorsi e hanno richiesto punteggi in Europa e Nord America, tra cui il Banc d’Essai del GRM di Parigi, il Gran Premio IBLA di New York, il Dorfman Memorial (Germania ), ilCincinnati Camerata Contest (USA), il Beethoven Club International Competition a Memphis (USA), e – nella sua natia Italia – due volte il Premio Ciani a Siena, il Franco Evangelisti a Roma, l’ ICOMS-Settembre Musica a Torino, il Premio Veretti in Fiesole e altri, tra cui, ancora studente, il Premio Nazionale delle Arti del Ministero dell’Università e della Ricerca. Alcune delle opere di Verlingieri sono state selezionate per repertorio di musica strumentale internazionale o citate in libri su tecniche estese, come le “Tecniche di canto” di Bärenreiter del basso-baritono Nicholas Isherwood.  Nonostante una carriera ancora giovane, Gianluca Verlingieri ha già collaborato con un certo numero di musicisti, sia talenti emergenti che solisti di fama internazionale, come i pianisti Håkon Austbø, Gianluca Cascioli e Massimiliano Damerini , i violoncellisti Vittorio Ceccanti, Manuel Zigante, Craig Hultgren e Rohan de Saram , flautisti Mario Caroli, Roberto Fabbriciani, Enrico Di Felice, Antonella Bini  e Robert Dick , i clarinettisti Michele Marelli, Roberta Gottardi e Marco Ortolani , il trombettista Donato De Sena , i trombonisti  Michele Lomuto e John Kenny , i chitarristiDavide Ficco e Magnus Andersson , il fisarmonicista Corrado Rojac, i  percussionisti Simone Beneventi, Maurizio Ben Omar e Ars Ludi , i cantanti Maria Agricola, Kryszof Baczyk, Monica Benvenuti, Valentina Coladonato, Eva Ganizate, Fernando Guimaraes, Ekaterina Leventhal e Nicholas Isherwood o musicisti elettronici come Elliott Sharp e The Hub , che hanno caratterizzato Gianluca come esecutore di laptop nel loro triplo album pubblicato dall’etichetta newyorkese Tzadik Records.  Le collaborazioni comprendono anche poeti e drammaturghi contemporanei come Andrea Cortellessa , Pier Luigi Berdondini e Franco Marcoaldi , oltre a registi come Giancarlo Cauteruccio , Claudio Longhi , Tommaso Rossi e Rares Zaharia , e videoartisti. Tra gli ensemble che hanno eseguito la musica di Verlingieri ci sono Algoritmo (cond. Marco Angius ), L’Arsenale (cond. Filippo Perocco ), Antico / Moderno Boston (cond. Balint Karosi ), Bit 20 Bergen (cond.Jonathan Stockhammer ), Ciani, ConTempo, FontanaMix (cond. Francesco La Licata ), Eutopia Ensemble (cond. Matteo Manzitti ), Luna Nova (USA), New Made Ensemble,  Ned Ensemble (cond. Andrea Mannucci ), Novantiqua Vocalensemble (cond. Elena Camoletto ), Quartetto di Cremona , Quartetto Lyskamm, Ensemble Les Surprises (cond. Louis-Noël Bestion de Camboulas ), Torino Vocalensemble (cond. Carlo Pavese ),Orchestra sinfonica del Teatro Nazionale di Brasilia (cond. Claudio Cohen ) e il Talea Ensemble di New York (cond. Alex Lipowski ).  Onori e riconoscimenti per la sua attività provengono dalla Cambridge University Press (20th Century Music Award), dall’Atlantic Center for the Arts (associato compositore in residenza), dal MidAmerican Center for Contemporary Music (compositore ospite) Washington Composers Forum , Memphis Chamber Music Festival (compositore ospite ), italiano Composers Forum  (compositore in residenza),  Tempo Reale di Firenze (compositore in residenza), Presidenza del Consiglio dei ministri italiano , il Ministero della Cultura italiana , l’ associazione Giovani Artisti Italiani , l’ Accademia Chigiana di Siena(Diploma d’onore, diversi Diplomi di merito e due premi Emma Contestabile) e altri.  Verlingieri ha anche ricevuto diversi sussidi durante la sua carriera da studente, inclusa una borsa di studio pluriennale di De Sono che gli ha permesso di approfondire i suoi studi con compositori contemporanei di fama internazionale. Dopo aver conseguito il Diploma di Conservatorio in pianoforte, composizione e musica elettronica summa cum laude, coaching tra gli altri con Stefano Bassanese (ex allievo di Luigi Nono ), Gianluca ha completato gli studi post-laurea in composizione presso le principali Accademie italiane, tra cui Santa Cecilia a Roma , Royal Philharmonic di Bologna , Chigiana di Siena e l’ Arena di Verona , studiano sotto la guida diAlberto Colla, Azio Corghi, Ivan Fedele e Fabio Vacchi .  Altre importanti esperienze formative si sono svolte in Italia e all’estero con Kaija Saariaho (che ha consigliato la musica di Gianluca all’Ensemble InterContemporain ), Luca Francesconi, Peter Maxwell Davies, Luis de Pablo e Peter Eötvös , così come con Mauro Lanza, Patricia Alessandrini, Alvin Curran, Yan Maresz e il team di pedagogia dell’IRCAM per la musica elettronica.  Oltre ai suoi studi compositivi, Gianluca Verlingieri ha studiato storia della musica all’Università di Torino con Giorgio Pestelli e ha frequentato diversi corsi e seminari di musicologia, semiologia ed estetica della musica con, tra gli altri, Michel Imberty, Giovanni Guanti, Sandro Cappelletto, Quirino Principe e Jean Jaques Nattiez .  Attivo come ricercatore, negli ultimi anni ha identificato l’ archivio sonoro privato di Luciano Berio al Centro Tempo Reale di Firenze, ora ospitato presso la Paul Sacher Stiftung di Basilea. Ha anche fatto ricerche sul teatro musicale di Mauricio Kagel con il suo incoraggiamento personale, e su musica su nastro di John Cage in collaborazione con l’archivio dello Studio di Fonologia Musicale della RAI di Milano e l’ Edizione Peters.  Gianluca Verlingieri – Dal 2011 insegna composizione elettroacustica presso il Conservatorio di Stato “GF Ghedini” di Cuneo, dove coordina anche il Dipartimento di Nuove Tecnologie e Lingue Musicali. Viene invitato a tenere lezioni in prestigiose istituzioni internazionali come, tra gli altri, il CESMA di Lugano (Svizzera) e l’ Accademia Liszt di Budapest.

Omaggio agli 80 anni di Gaetano Giani Luporini. In collaborazione con G.A.M.O.

1. Follia Angelica – Alberto Bologni violino
2. Sorella Viola – Alberto Bologni viola
3. 4. 5. Fogli d’Album – Simone Soldati pianoforte (Fra Due Fiori, La Morte di Una Farfalla, Valzer delle Falene)

Masters audio e grafico realizzati da EMA Vinci records

[Omaggio a Luporini – GAMO EMA Vinci archive]

Una volta scelti i  “takes” migliori di Follia Angelica e Sorella Viola in studio si procede con il montaggio. Alberto ha segnato sulla partitura numero di presa, minutaggio e rispettivo riferimenti in battute musicali. Si collega tutto e si riascolta. Le tecniche e tecnologie di montaggio oggi sono molto evolute e quindi permettono di collegare anche punti molto delicati. Sovente l’editing diventa creativo tanto da riuscire a realizzare passaggi e frasi particolarmente artistiche ed efficaci. Bologni preferisce un suono, un fraseggio e quindi montaggio molto realistico, si vuol riconoscere completamente in ciò che suona e come lo suona.

16 Giugno 2017

Alberto Bologni – Simone Soldati: Omaggio a Gaetano Giani Luporini

Alberto Bologni in “Follia Angelica” per violino e “Sorella Viola” per viola

16 Dicembre 2016

Auguri Maestro Luporini

AUGURI MAESTRO LUPORINI

Auguri Maestro Luporini

14 Dicembre 2016

Alberto Bologni e Simone Soldati registrazione LIVE in Sala Vanni per GAMO-EMA Vinci archive

Il piano di Simone Soldati e gli archi di Alberto Bologni per il tributo al maestro Gaetano Giani Luporini

Francoise Variationen n.1di Franco Donatoni

• Perduto in una città d’acque – di Salvatore Sciarrino
• Architektur der ebene 1 di Paolo Aralla
• Architektur der ebene 3 di Paolo Aralla

Produzione audio e grafico realizzati da EMA Vinci records

Copertina di Paolo Aralla

31 Luglio 2017

Stefano Malferrari inizia in prima mattinata a registrare sul pianoforte dello studio EMA Vinci service il lungo e difficile programma previsto per oggi:

Franco Donatoni:

Salvatore Sciarrino:

Andrea Sarto:

finirà il tutto in tarda serata, condotto con grande esperienza e lucidità, previa un lungo lavoro di preparazione utile alla scelta dei take da registrare.

Prossimamente il montaggio delle parti …

18 Giugno 2018

Stefano Malferrari plays Paolo Aralla

Titolo	Emotional Soundscapes (opere live)
Compositori	n.c.
Autori	Francesco Giomi
Organico	Computer music
Tracce	1. ES1 2. ES2 3. ES3 4. ES4 5. ES5
Descrizione	Musiche e Live electronics di Francesco Giomi, un suo viaggio emotivo attraverso territori musicali differenti in un’alternanza tra stringhe sonore dilatate e tessiture ritmiche ossessive. Ultimo stadio di un percorso che, partendo dal mondo della danza, si evolve in un’autonomia espressiva totalmente musicale, al confine tra evocazione e sperimentazione.
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EMOTIONAL SOUNDSCAPES
An emotional journey towards different musical habitats, alternating dilated sound strings and obsessive rhythmic textures. The last step of a path that, arising from the world of dance, develops to a completely musical expressive autonomy. On the border between feeling and experimentation.

Francesco Giomi
He has been composing electronic music in the last twenty years. Since 2001 he has collaborated with choreographer as Virgilio Sieni and Simona Bertozzi and with musicians as David Moss, Uri Caine, Sonia Bergamasco; in 2003 and 2009 he obtained commissions for new musical works from GRM of Paris, while in 2007 he won the International Rostrum of Electroacoustic Music held in Lisbon. His works are regularly performed all over the world in festivals and concerts while his music is selected for and awarded by italian and foreign festivals. He is professor of electroacoustic music composition at the Music Conservatory in Bologna and director of Tempo Reale, the Italian centre for research on new music technologies.

PAESAGGI SONORI EMOTIVI
Un viaggio emotivo attraverso territori musicali differenti, in un’alternanza tra stringhe sonore dilatate e tessiture ritmiche ossessive. Ultimo stadio di un percorso che, partendo dal mondo della danza, si evolve in un’autonomia espressiva totalmente musicale, al confine tra evocazione e sperimentazione.

Francesco Giomi
Compone musica elettronica da moltissimi anni. Dal 2001 ha collaborato con coreografi come Virgilio Sieni e Simona Bertozzi, oltre che con musicisti come David Moss, Uri Caine, Sonia Bergamasco; nel 2003 e 2009 e 2012 ha ottenuto la commissione di nuove opere musicali dal GRM di Parigi, mentre nel 2008 è stato vincitore dell’International Rostrum of Electroacoustic Music di Lisbona. Insegna Musica Elettronica al Conservatorio di Musica di Bologna ed è direttore di Tempo Reale, il centro italiano di ricerca sulle tecnologie musicali.

[Emotional Soundscape di Francesco Giomi]

Composizione facente parte della raccolta:
Francesco Gesualdi: Musica per Fisarmonica ed Elettronica

Tracce

1. Da soli paralleli – Gianluca Ulivelli

[Gianluca Ulivelli: Da Soli Paralleli – Francesco Gesualdi fisarmonica]

Racconti di Pioggia e di Luna – musica di Carlo Galante
Album Monografico – artista principale: Carlo Galante
Direttore Carlo Boccadoro

Tracce

1. Ghost in Lammermoor fantasia per arpa ed orchestra (arpa Luisa Prandina)

2. Racconti di pioggia e di luna per due pianoforti e orchestra (pianoforte Luca Schieppati e Andrea Rebaudengo)

3. I tre gradi dell’invocazione per violino e orchestra (violino Piercarlo Sacco)

4. Lo sguardo estivo di Apollo per orchestra

Organico Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano, direttore Carlo Boccadoro. Arpa Luisa Prandina, Violino Piercarlo Sacco, Pianoforti: Luca Schieppati e Andrea Rebaudengo

«… La gradevolezza della scrittura, ossia la sua capacità di venire recepita dall’ascoltatore senza speciali artifici (e tuttavia non superficialmente), rappresenta, per Galante, una esigenza stilistica variamente declinabile e normalmente declinata nei quattro brani qui pubblicati. Nessuno di essi, infatti, ha pretese di imporre al fruitore uno sforzo di metalettura, limitandosi – si fa per dire – a offrire il piacere della lettura. Il che, si capisce, non è fatto scontato …

(Stefano Valanzuolo)»

Produzione terminato di registrare nel giugno 2017 Teatro dal Verme

EMa Vinci service

Data di Uscita 16.08.2017
Formato Principale CD Altri Formati Album Digitale
℗ 2017 EMA Vinci records 40061 © EMA Vinci – Etichetta EMA Vinci contemporanea – Linea SIAE-Classici di Oggi • Genere – Contemporanea

Carlo Galante Carlo Galante (Trento, 1959) si è diplomato in Composizione sotto la guida di Niccolò Castiglioni e Paolo Castaldi, presso il Conservatorio di Milano. Nel 1993 ha scritto il Dies Irae del Requiem per le Vittime della Mafia, realizzato nella Cattedrale di Palermo.  Ha scritto per il teatro: le opere Byzanthium (Musica nel Nostro Tempo 1991); Corradino (Teatro Comunale di Bologna, 1992); Il combattimento con l’Angelo (Teatro Massimo di Palermo, 1997); Messer Lievesogno e la Porta Chiusa più volte rappresentato (Teatro Comunale di Bologna 1997; Teatro Palazzina Liberty, Milano 1998; Teatro Nuovo di Verona e Teatro Sociale di Trento, 2000); Ghost Cafè (Teatro Donizetti di Bergamo, 2000); Racconto di Natale  (Teatro Comunale di Modena, 2002)  e i balletti : Fandango (Teatro Filarmonico di Verona, 1992); Il fantasma di Canterville (Teatro Regio di Torino, 1995 e più volte riproposto); Notturno a Milano (Tardi in piazza Duomo) (Teatro Filarmonico di Verona 2004).  Per l’Ensemble “Sentieri Selvaggi” ha scritto il brano “La formula del fiore” che dà titolo al CD; altri lavori precedenti sono editi nel CD “Yeliel” (Tirreno). Recentemente ha registrato il “Sanctus”  per la “Missa Solemnis Resurrectionis” del Giubileo 2000. Il CD “Enigma, la musica dei Tarocchi” (Rugginenti editore), su testi di Gabriela Fantato, è anche andato in scena in forma di spettacolo  al Piccolo Teatro Studio di Milano e all’Accademia Filarmonica Romana nel 2000. Il suo ultimo CD, ESSENZA CARNALE, del 2003, su poesie di Alfredo De Palchi, è stato patrocinato dalla fondazione newyorkese “Sonia Raiziss Giop Charitable Foundation”.  Ha composto nel 2004 per Enrico Dindo il  concerto per violoncello Luna in Acquario eseguito al Teatro Ponchielli di Pavia e di prossima pubblicazione in  cd. Ha scritto per il Teatro Regio di Torino e il Teatro stabile La Tempesta su libretto di Luca Fontana che ha debuttato al Teatro Carignano nel 2006. Su commissione della Fondazione “I Pomeriggi musicali” di Milano ha composto il brano sinfonico Percorso notturno con carillon che è stato eseguito sotto la guida di Corrado Rovaris nel febbraio del 2006. I “Violoncellisti della Scala” gli hanno richiesto il brano Due sono le porte del sogno suonato alla Scala nel maggio del 2006. Ha composto nel 2007 INRI passione secondo anonimo per soprano, attore e quartetto d’archi eseguita a Bolzano presso il Duomo di Gries.  La sua musica è stata eseguita più volte negli Stati Uniti, in  Svizzera, Spagna, Brasile, Germania, Regno Unito, Francia.  Ha avuto numerose commissioni da orchestre italiane ed estere, tra le altre: Rai di Roma e di Napoli; Orchestra Haydn di Trento e Bolzano; Orchestra Sinfonica Siciliana; Orchestra Verdi di Milano, Pomeriggi musicali di Milano.  Nel 2007 è stato eletto nella Sezione Lirica della SIAE.  La sua musica è edita da Suvini Zerboni, B.&W. Italia e Sonzogno.

di Stefano Valanzuolo

I concept album rientrano in un filone che appartiene agli anni Settanta e per lo più, comunque, collocato in un ambito musicale altro rispetto a quello classico o colto che dir si voglia. Motivo per cui sarebbe inutile, e certo inattuale, cercare per forza un filo rosso esplicito di riferimento che leghi i quattro brani di Carlo Galante raccolti in questo disco. Ciò nonostante, piace sempre al critico musicale, al giornalista, all’estensore di note di sala o copertina scovare, tra i contenuti di un programma anche molto articolato come questo, un tratto che possa definirsi connotante e centrale. Ce ne sarebbero almeno un paio, nel caso specifico, meritevoli di essere chiamati in causa senza il rischio che appaiano pretestuosi. Sono tratti collegati tra loro che rimandano, evidentemente, alle caratteristiche principali del linguaggio di Galante, capace di risultare colto, garbato, allusivo. E – perchè no – anche teatrale: a patto di intendere l’aggettivo in termini squisitamente musicali, associando voci e caratteri agli strumenti impiegati, al netto di qualsiasi citazione testuale.

La gradevolezza della scrittura, ossia la sua capacità di venire recepita dall’ascoltatore senza speciali artifici (e tuttavia non superficialmente), rappresenta, per Galante, una esigenza stilistica variamente declinabile e normalmente declinata nei quattro brani qui pubblicati. Nessuno di essi, infatti, ha pretese di imporre al fruitore uno sforzo di metalettura, limitandosi – si fa per dire – a offrire il piacere della lettura. Il che, si capisce, non è fatto scontato.

Pur muovendosi in forme orchestrali canoniche, l’invenzione di Galante esibisce esiti non certamente assodati: la stessa struttura del concerto solistico, privilegiata dall’autore, dilata i propri confini e li rende porosi, aprendosi ad un gran numero di suggestioni visive, infine diventando racconto nel senso più ampio, trasversale e accattivante del termine.

In questo discorso, evidentemente, assume un peso decisivo il lavoro profuso in termini di orchestrazione, perché è nell’equilibrio instaurato tra le diverse sezioni strumentali, nel gioco timbrico assiduo – in cui le singole voci rivestono ruoli ora dialettici ora dialogici – che si attua il meccanismo narrativo essenziale. E non è un caso, appunto, che i pezzi del disco, quasi tutti, si pongano come tappa avanzata, ma non per forza definitiva, di un processo compositivo in grado di evolversi da dimensioni cameristiche a sinfoniche con assoluta naturalezza. Quasi che il nucleo di partenza rappresentasse lo studio in scala piccola, o in bianco e nero, di un’immagine destinata a compiersi gradatamente grazie all’impiego di altra e più ampia tavolozza di colori.

• Ghosts in Lammermoor, fantasia per arpa e orchestra

Al pari di altri brani trattati nel disco, “Ghosts in Lammermoor” va considerato un work in progress cui Carlo Galante si è accostato in fasi successive della propria vicenda artistica: se l’idea di base, infatti, rimanda al 2007 ed un primo intervento sul materiale al 2014, la versione che oggi ascoltiamo in disco è datata 2017. Consistente e decisivo, per ammissione dello stesso autore, il lavoro di rifacimento portato a termine nell’ultima occasione lascia spazio ad un impiego orchestrale corposo, con generoso impiego di fiati e percussioni, ma pone anche in evidenza speciale la parte del Primo violino, che diventa interlocutore e quasi nobile alter ego dell’Arpa protagonista. Quest’ultima, in particolare, sembra muoversi in una dimensione più spettrale e comunque (non docilmente) onirica, mentre il violino, appunto, tiene ancorato il racconto alla terra brumosa, probabilmente, di Scozia.

Il materiale di partenza – come è facile desumere dal titolo – deriva dalla donizettiana “Lucia di Lammermoor” e, in particolare, dalla prima parte dell’opera, con il solo dell’arpa che introduce la protagonista in scena, subito prima dell’aria celebre d’esordio “Regnava nel silenzio”.

Come sottolinea lo stesso Galante, l’operazione di scrittura non ha nulla a che fare, tuttavia, con il romantico clichet della trascrizione e/o della parafrasi d’opera. La musica di Donizetti, citata e riconoscibile, viene infatti sottoposta ad un interessante processo di deformazione, passando attraverso l’iterazione assidua ma dinamica del materiale tematico. Il risultato ha un effetto straniante, regalando all’ascolto quel sottile senso di inquietudine, giustamente gothic nei tratti, che appartiene in pieno a “Lucia”.

Notevole, nella versione della Fantasia proposta in cd, l’ampia cadenza centrale affidata ai virtuosismi dell’arpa solista, impegnata in un autentico pezzo di bravura; in tal modo, riprendendone un artificio retorico essenziale, Galante vuole rendere omaggio all’autore e alla pagina che qui l’hanno ispirato.

• Lo sguardo estivo d’Apollo

Il titolo del lavoro, eseguito per la prima volta a Bari nell’inverno del 2017, cita un verso del poeta inglese John Keats che, nei riguardi di Apollo, attuò per tutta la propria brevissima vita una sorta di processo identificativo, ritenendo che nessun altra figura incarnasse, al pari del dio greco, l’ideale supremo di arte e poesia.

È palese, nella scelta del riferimento letterario perseguita da Galante, l’interesse (già in altre occasioni manifestato) che lo stesso compositore nutre per l’universo classico, la cui esplorazione procede – comunque – al riparo da ansie di rivisitazione neoquesto o neoquello e sull’onda, semplicemente, di una suggestione che non sfocia nell’accento nostalgico e ruffiano.

Certe nuances timbriche – pensiamo solo, per esempio, a come il flauto ricorra significativamente nel corpo del racconto – restituiscono alla mente l’immagine di seduzioni dal sapore vagamente francese, assecondando lo spunto fornito dall’evocazione di Apollo. La pulsione ritmica, poi, che sostiene specialmente la prima parte del lavoro rimanda ad una dimensione possibile (ma non obbligatoria) di danza.

In realtà, “Lo sguardo estivo di Apollo” non si sofferma in compiaciute figurazioni più consone ad uno studio, anzi consuma in fretta i tredici minuti della partitura offrendo un rapido mutamento di clima: l’atmosfera rilassata e, per certi versi, estiva dell’incipit cede il passo a toni gradatamente più drammatici, quasi che il quadro emotivo, proprio come in una poesia di Keats, finisse con l’incupirsi per via della luce che si offusca. Ancora una volta, sembra chiaro, Galante sta ponendo l’ascoltatore di fronte agli esiti di un processo di riconsiderazione continua del materiale tematico che, infatti, si trasforma armonicamente consentendo al pubblico di calarsi, con naturalezza e passo dopo passo, nel mood di un racconto dal finale tutt’altro che scontato.

• Racconti di pioggia e di luna, per due pianoforti e orchestra

Anche questo brano, come il precedente, è stato pubblicato nel 2017 ed eseguito, per la prima volta, a Milano, nell’aprile dello stesso anno. La citazione che ispira il titolo, ancora una volta, è letteraria, anche se molto lontana, per gusto e atmosfere dal già evocato Keats: “Racconti di pioggia e di luna”, infatti, è una raccolta di storie soprannaturali (con tanto di fantasmi, giusto per collegarsi idealmente al pezzo che apre il cd) dello scrittore giapponese Ueda Akinari, edita nella seconda metà del diciottesimo secolo. Non ci sono, nel pezzo musicale, riferimenti espliciti ad uno o ad altro dei racconti in prosa, ma solo la volontà, da parte di Galante, di utilizzare una didascalia d’atmosfera complessiva, allusiva e sognante al punto giusto, solo venata da fremiti passeggeri d’inquietudine.

Tre sono i protagonisti assoluti della partitura: i due pianoforti, naturalmente, e l’orchestra. Per quanto concerne i due solisti, va notato come essi si muovano in un’ottica di reciproca complementarietà che esclude ostentatamente ogni rapporto di forza dialettico. Galante confessa di avere idealmente pensato, nell’accingersi a scrivere questo lavoro, alla voce di un unico grande pianoforte ridondante, poi sdoppiato nella realtà in due strumenti: la qual cosa rende ragione del tipo di relazione instaurata tra i due solisti.

Il loro dialogo in pedana produce una gran quantità d’armonia e contribuisce a tenere alta la tensione per l’intero percorso sinfonico, aperto da un lungo ed articolato movimento introduttivo in ritmo ternario, di fatto un valzer trasognato che sembra “farsi” e “disfarsi” lentamente, dal forte effetto evocativo. La parte centrale dei “Racconti” è occupata da un Adagetto che, in coerenza con lo spirito dell’intera pagina ma in maniera certo più esplicita, assume sembianze di Notturno: non un notturno trasognato e conciliante, di romantica ascendenza, quanto, piuttosto, una riflessione percorsa da frequenti momenti di turbamento, forse per la presenza virtuale degli spettri descritti, nel suo libro, dallo scrittore Ueda Akinari. Il Finale, musicalmente corposo e comunque rifinito nel dettaglio strumentale, non possiede per scelta alcuna valenza catartica ma, anzi, contribuisce ad alimentare quel tono di sospensione che connota l’intero concerto, descritto – nelle parole di Carlo Galante – come «una sorta di rito iniziatico destinato a non trovare conclusione».

• I tre gradi dell’invocazione, per violino e orchestra 
Piace pensare che il concetto di invocazione cui fa riferimento Carlo Galante in questo brano che chiude il disco, strutturato attraverso tre parti dinamicamente alternanti, sia assimilabile a quello già caro a molti poeti di epoca remota, adusi a chiedere ispirazione e protezione ai numi accingendosi allo scritto. Anche qui, infatti, si celebra un rito intellettuale, sospeso tra vocazione mistica e senso di appartenenza alla terra. Un “rito di passaggio”, possiamo chiamarlo, usando le parole dello stesso Galante. Tuttavia, la conquista di una solida consapevolezza rappresentata ne “I tre gradi” non procede in senso convenzionalmente mistico, tendendo al cielo, ma in direzione esattamente contraria. Ne consegue che la cellula musicale su cui s’impernia la composizione, semplice e aerea, acquisisca concretezza crescente col procedere del racconto, muovendosi dal versante apollineo a quello dionisiaco, non a caso messo in rilievo – il secondo – da un ritmo di danza via via più percepibile.

Il passaggio sorprendente dalla condizione divina a quella umana o, se si preferisce, dalla dimensione sacra a profana, è al centro, dunque, della vicenda celebrata ne “I tre gradi dell’invocazione”. Una metamorfosi che appare resa, metaforicamente, dalla mutazione graduale eppure inequivocabile del materiale musicale esposto.

Affinché tale rito di passaggio diventi percepibile, le diverse fasi che ne scandiscono il procedere vengono concluse entro contorni formali netti e definiti: figure semplici e reiterate, rese progressivamente più ricche dal punto di vista armonico in un continuum che non ammette strappi né mutazioni drastiche. Al culmine di questo percorso, ecco la conquista di una nuova consapevolezza spirituale, il cui senso – osserva Galante – «deve trovarsi all’interno della “materialità” del nostro corpo e non nell’astrazione di un “altrove” lontano e trascolorato».

“I tre gradi d’invocazione” riflettono il credo estetico di Galante nella misura in cui rinunciano ad esibire qualsiasi soluzione togata e ridondante, a favore di una cifra stilistica elementare, nel senso proprio della parola, atta a supportare efficacemente, cioè, il gioco di trasformismo posto in atto per sovrapposizione di elementi formali ed emotivi Siamo ancora di fronte ad un pezzo costruito, per quanto riguarda l’autore, nel corso di step successivi: dalla versione cameristica del 1999, per violino e pianoforte, a quella attuale (2016) che prevede l’impiego di un’orchestra grande, passando ancora per l’opzione con ensemble di soli archi (2002). In ciascuna delle tre, il violino assume un ruolo concertante la cui forza emotiva travalica decisamente il piano del mero virtuosismo.

19 Luglio 2017

Tre giornate consecutive (19, 20, 21 luglio) ove Carlo Galante è rimasto ospite dello studio per la finalizzazione dei concerti registrati presso il teatro Dal Verme di Milano, orchestra i Pomeriggi Musicali diretti da Calo Boccadoro.

Ghost in Lammermoor fantasia per arpa ed orchestra (Luisa Prandina)
I tre gradi dell’invocazione (Piercarlo Sacco)
Lo sguardo estivo di Apollo

Durante la registrazione era stata fatta un’accurata selezione (attraverso appunti scritti) che ha facilitato la scelta delle prese.
Carlo Galante predilige le prese di suono lunghe pertanto non moltissimi tagli. I Pomeriggi Musicali ed il loro direttore Carlo Boccadoro hanno fatto un lavoro esemplare durante la registrazione, cosa che ha permesso un montaggio veloce, sopra alla media.

Una volta montato tutti i “takes” si procede alla scelta del suono ed a una certa correzione dell’ambiente. Anche in questo caso le idee chiare del compositore  e il buon feeling instaurato permettono di giungere velocemente ad una scelta equilibrata, funzionale e bella, cioè che rispetti la natura della musica, dell’interpretazione e dell’idea ispiratrice. Le composizioni mettono in risalto le possibilità espressive dell’orchestra e dei solisti, godono di un’ampia libertà di fraseggio pur talvolta in incastri particolarmente difficili e obbligati.

Opera in un atto
dalla composizione scenica Der gelbe Klang di Vasilij Kandinskij
libero adattamento e libretto dell’autore
Opera commissionata dal Teatro Comunale di Bologna per la Stagione lirica 2014-2015

 

COMUNICATO: 15 Novembre 2017

Museo del Novecento – MIlano

http://lnx.emarecords.it/blog/archives/4213

Venerdì 15 Settembre 2017 presso il Teatro Ristori di Verona è stato presentato il DVD de Il suono giallo di Alessandro Solbiati.
Alla Tavola rotonda erano presenti, oltre al compositore Alessandro Solbiati, i critici Enrico Girardi, Andrea Estero e il direttore artistico del Teatro Alberto Martini .

dal sito del teatro Ristori di Verona

Matteo Franceschini – Canzom per voce e pianoforte (su una canzone popolare trentina)
Alessandro Solbiati – To whom? Per voce sola
Matteo Franceschini – Le bechete – Per voce sola
Luciano Berio – Quattro canzoni popolari (1946) per voce e pianoforte

Alessandro Solbiati – Sonata per chitarra
Alessandro Solbiati – Sonata seconda per pianoforte

Laura Catrani soprano
Emanuela Piemonti pianoforte
Andrea Monarda chitarra

Alle ore 17.30 tavola rotonda con compositori ed esecutori presenti sul rapporto compositore-interprete-pubblico, oggi. Moderatore Enrico Girardi de Il Corriere della Sera.
Presentazione della produzione video dell’opera “IL SUONO GIALLO” di Alessandro Solbiati, appena pubblicata da EMAVinci Records. Parteciperà il maestro concertatore e direttore d’orchestra Marco Angius. All’opera di Alessandro Solbiati è stato attribuito il premio ”FRANCO ABBIATI” 2016 XXXV PREMIO DELLA CRITICA MUSICALE, il più prestigioso riconoscimento in Italia dell’Associazione Nazionale Critici Musicali per la musica dal vivo.

Laura Catrani
Considerata dalla critica interessante e coraggiosa voce di riferimento per il repertorio del novecento e contemporaneo, duttile e musicale nella doppia veste di cantante e attrice, Laura Catrani ha intrapreso in giovane età gli studi musicali, diplomandosi a pieni voti in Canto e in Musica Vocale da Camera presso il Conservatorio Giuseppe Verdi di Milano, e quelli di recitazione presso la Scuola Civica d’Arte Drammatica Paolo Grassi di Milano.
È stata interprete di numerose esecuzioni di compositori moderni e contemporanei e di opere in prime mondiali tra le quali “Il dissoluto assolto” di Azio Corghi (Teatro La Scala di Milano), “Leggenda” e “Il suono giallo” di Alessandro Solbiati (Teatro Regio di Torino e Teatro Comunale di Bologna), “La metamorfosi” di Silvia Colasanti (Maggio Musicale Fiorentino), e “Il gridario” e “Forést” di Matteo Franceschini (Biennale di Venezia e Teatro Comunale di Bolzano).
Affianca al repertorio del Novecento anche quello operistico tradizionale, distinguendosi nei ruoli mozartiani e settecenteschi.
Ha cantato nei principali teatri italiani ed europei e rassegne di musica contemporanea, diretta da Stefan Anton Reck, Gianandrea Noseda, Fabio Biondi, Alan Curtis, Christian Arming, Daniele Rustioni, Marco Angius e Jonathan Webb, per citarne solo alcuni.
Ha inciso per le etichette Naxos e Stradivarius musiche di Mercadante, Solbiati, Bulfon, Ghisi, Castiglioni e Gutman.

Emanuela Piemonti
Si accosta al pianoforte all’età di quattro anni sotto la guida della madre e studia successivamente al Conservatorio di Milano con Anita Porrini ed Alberto Mozzati diplomandosi a pieni voti nel 1980.
Lo studio dello strumento si è sempre affiancato all’esperienza del “suonare insieme” ad altri musicisti: fin dai suoi undici anni affronta con grande passione la musica da camera dal duo al settimino, prima con giovani talenti poi con interpreti di fama internazionale quali Hermann Baumann, Franco Maggio Ormezowski, John Mackeney, Enrico Dindo, Mario Hossen, Michèle Scharapan.
Nella fervida atmosfera della Scuola di Fiesole frequenta per più anni i corsi tenuti dal Trio di Trieste e incontra personalità musicali per lei determinanti: Dario De Rosa, punto di riferimento costante, Piero Farulli, Amedeo Baldovino, Renato Zanettovich, Maureen Jones, Norbert Brainin e Valentin Berlinskij. Pianista del Trio Matisse dal 1982, vince i Premi Internazionali Vittorio Gui di Firenze, Atkinson di Milano e Città di Torino, risultando finalista alla Melbourne Chamber Music Competition. Intraprende una carriera che la porterà a frequentare le Società e le Sale italiane più prestigiose (Teatri La Fenice di Venezia, S. Carlo di Napoli, Carlo Felice di Genova, Ponchielli di Cremona, Olimpico di Vicenza e di Roma, Bibiena di Mantova, Quirinale, Sala Verdi di Milano, Lingotto di Torino, Salone dei Cinquecento di Firenze…) e ad effettuare tournées in Germania, Spagna, Francia, Portogallo, Israele, Australia, Cina.
Ha sempre ritenuto essenziale per la sua ricerca personale e musicale affiancare ai classici la nuova musica, collaborando con compositori quali Mauricio Kagel, Luis de Pablo, Salvatore Sciarrino, György Kurtág, Luca Francesconi, Ivan Fedele, Alessandro Solbiati.
Ha inciso per le etichette Aura, Amadeus, Limenmusic e Stradivarius.
Nel 2013, per la casa discografica Naxos, registra i due Tripli Concerti di Casella e di Ghedini, disco che ha vinto il premio”Choc de Classica” per la rivista francese Classica Magazine.
Attualmente è pianista del Trio Magritte, con Francesco De Angelis e Relja Lukic.
Titolare della cattedra di musica da camera presso il Conservatorio “G.Verdi” di Milano, ritiene l’esperienza didattica importante e appassionante quanto quella esecutiva.

Andrea Monarda
Chitarrista, musicologo, didatta e traduttore. Inizia gli studi musicali a 12 anni, si diploma in chitarra con il massimo dei voti a 19 anni e si perfeziona in Italia e all’estero in chitarra e in musica da camera. Nel 2013 ha girato un mediometraggio sulla Sequenza XI di Luciano Berio, al fine di valorizzare visivamente il gesto musicale. Laureato come traduttore e interprete presso l’Università di Trieste e come dottore magistrale in pedagogia musicale, ha recentemente pubblicato contributi per la rivista di pedagogia musicale Musica Domani e per le riviste chitarristiche Il Fronimo e Guitart.
L’impegno costante per la costituzione di un nuovo repertorio per chitarra lo ha portato a collaborare con compositori come Alessandro Solbiati, Gilberto Bosco, Giorgio Colombo Taccani, Luis De Pablo, Giorgio Gaslini e Jeffrey Levine, che gli hanno dedicato le loro opere più recenti, per chitarra sola e per due chitarre, affidandone le prime esecuzioni.
Premiato in celebri concorsi nazionali e internazionali di musica, come il XVI Concurso Internacional de Guitarra “Alirio Diaz”, Venezuela, il XXX Certamen Internacional de Guitarra “Andrés Segovia”, Spagna, il Grand Prize Virtuoso International Competition di Londra, il IV Concorso Nazionale “Rocco Peruggini”, il Global Music Awards, California, è stato invitato come solista da istituzioni storiche (tra le quali la Società dei Concerti di Milano) e da noti festival nazionali e internazionali quali Festival MITO di Milano e Torino, Festival della Valle d’Itria, Festival Duni di Matera, URTIcanti di Bari e Lecco Jazz Festival 2016. Ha tenuto concerti in sale prestigiose come il Teatro Alirio Diaz di Carora (Venezuela), il Teatro Donizetti di Bergamo, il Teatro Gobetti di Torino, il Teatro della Società di Lecco, il Museo del Novecento di Milano e la Biblioteca Centrale di Storia e Archeologia di Roma. La sua attività da solista lo ha portato a debuttare nel 2014 con l’Orquesta de la Universidad de Granada e nel 2013 a ricevere il premio chitarra d’oro come giovane talento nell’ambito del XVIII Convegno Internazionale di Chitarra di Alessandria.
Le sue revisioni di opere di repertorio e di musica contemporanea a lui dedicate sono pubblicate dalle Edizioni Suvini Zerboni di Milano e dalla Da Vinci Edition di Osaka, Giappone. Ha anche recentemente pubblicato, per la Casa Musicale Eco, la raccolta didattica intitolata L’Ottocento italiano per chitarra, antologia ragionata di 34 brani del XIX secolo. Per le Edizioni Suvini Zerboni ha pubblicato le Sette Miniature per chitarra sola.
Ha inciso cinque album per le etichette discografiche Guitart, Stradivarius (Dieci minuti all’alba-omaggio a Giorgio Gaslini, trasmesso su Rai Radio3 e Radio Vaticana), Dotguitar (Historical guitar music – live DVD recording) Mep Music e Limen Music (Solbiati – solo guitar works, CD/DVD). Dal 2016 insegna presso l’Istituto Superiore di Studi Musicali “G. Paisiello” di Taranto.

Alessandro Solbiati
Nato a Busto Arsizio nel 1956, Alessandro Solbiati si è diplomato presso il Conservatorio di Milano in pianoforte e in composizione (con Sandro Gorli), dopo aver frequentato per due anni la Facoltà di Fisica, studiando contemporaneamente con Franco Donatoni all’Accademia Chigiana di Siena dal ’77 all’80.
La sua musica è regolarmente eseguita nei più importanti Festival europei, radiotrasmessa ed incisa. Tra le incisioni discografiche a lui più care vi sono, oltre a quelle riguardanti l’oratorio Nel deserto (Ensemble 2E2M), Quartetto con lied (Quartetto Borciani) e Trio (Trio Matisse), cinque CD monografici di Stradivarius, il primo inciso dall’Ensemble Alternance di Parigi (1999), il secondo (2004), composto da alcuni brani per ampio Ensemble (EOC di Lyon e Divertimento Ensemble di Milano), il terzo (2007) in cui Daniel Kawka e l’Orchestra Sinfonica della RAI eseguono Sinfonia, Sinfonia seconda e Die Sterne des Leidlands, il quarto (2012) contenente l’opera pianistica eseguita da Emanuela Piemonti e Alfonso Alberti e il quinto, da poco uscito, con alcuni recenti brani cameristici eseguiti da ExNovo Ensemble.
Nel 1997, Con i miei mille occhi, ampio lavoro con mezzo elettronico accompagna in CD l’omonimo racconto lungo di Paola Capriolo pubblicato per Bompiani.
Attivo anche nel campo della videoarte, esce in varie versioni (1998-2005) INNO, in collaborazione con un gruppo di giovani artisti.
Nel 2002 pubblica per il Teatro Comunale di Monfalcone un Quaderno di Cultura Contemporanea intitolato “Ah, lei fa il compositore? E che genere di musica scrive?”, quattro saggi di riflessioni sul comporre, di analisi e di illustrazione dettagliata delle proprie tecniche compositive.
Nell’aprile 2009 è stata messa in scena al Teatro Verdi di Trieste, nel corso della Stagione Lirica 2008-2009, la sua prima opera, “Il carro e i canti”, dalla tragedia breve di Puskȋn “Il festino in tempo di peste”. Nel settembre 2011 viene eseguita con la direzione di Gianandrea Noseda la sua seconda opera, “Leggenda“, dalla dostoevskijana Leggenda del Grande Inquisitore, commissione del Teatro Regio di Torino per la Stagione Lirica 2010-2011.
Una terza “Il suono giallo”, da Kandinskij è andata in scena nel giugno 2015 presso il Teatro Comunale di Bologna con la direzione di Marco Angius ed ha ricevuto nell’aprile 2016 il Premio Abbiati della Critica Musicale come miglior novità in Italia per il 2015. Di Leggenda e Il suono giallo stanno per essere pubblicati i DVD delle relative produzioni video dalla Casa EMA Vinci Records.
Dal 1995 è docente di Fuga e Composizione presso il Conservatorio “G.Verdi” di Milano, dopo esserlo stato per la medesima materia al Conservatorio di Bologna tra il 1982 e il 1994.
Dal 2011 insegna Composizione anche al Conservatoire “F.Poulenc” di Tours.
Ha tenuto e tiene vari corsi e masterclass (Sermoneta, Centre Acanthes, Conservatori di Parigi, Lyon, Mexico City, Sydney etc.). Pubblica per la Casa Editrice Suvini Zerboni di Milano.

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